最简单的山水画怎么画-扒知识

Q1：许吉尔的山水画怎么样？

这首先要看你是个什么样的人，是什么样的人就会喜欢什么样的画。别人说他的画不行的，说不定你还认为他画得很好。就是说如果你是一个大众化的人，你喜欢的也是大众化的东西，那么离挂这幅画在你的办公室也也没有什么。只要你自己喜欢就行，管别人说什么呢，你说是吧？

但是，如果你想档次高点儿，专业一点儿，那我建议你最好不要在办公室挂这样的画。因为稍有点水平的人都会觉得这幅国画不怎么样？这确实就是一副典型的行画、菜画，很俗气的画。

好了，我们来简单说一说国画的基本标准。国画首先讲究的是用笔用墨，讲究它的韵味。这种画用笔刻板，没有一丁点儿书法用笔的潇洒内涵和遒劲之力。画这种画的人只是在模仿，在描摹，在极意刻画，是照葫芦花瓢。书画同源，书法和国画两者都须骨法用笔、线条运行有着紧密的联结，因此绘画同书法相互影响，形成了显著的艺术特征。

中国画强调“外师造化，中得心源”，要求“意存笔先，以形写神，形神兼备，方能气韵生动。所以真正的国画，讲究的是用笔的苍茫、潇洒、处处骨法用笔，线条灵动潇洒，是画家自身人格的迹化和表现。一幅画面要有意境，画外有画，有些地方要密不透风，而有些地方又要疏能跑马，甚至会有大片的空白。整个画面看上去应该是很雅致、很空灵。而不是像这幅画，看着是大红大绿，一览无余。

欣赏国画和画国画一样，你需要有相应的审美能力和人格修养以及高雅的情趣，才能欣赏得了一幅比较高雅的中国画。古今中外，艺术从来都是曲高和寡的。真正好的东西，往往是少数人才能欣赏得了。国外像梵高的画，国内像黄宾虹的画，很多人都欣赏不了。所以我们要想认识一幅好的国画，就要学习这方面的知识，提高这方面的修养，然后你才能从内心真正认识到一幅好国画它究竟好在哪里！

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Q2：山水画怎么画

千年来中华民族尤其是中国文人阶层对山水情有独钟，不论是 “智者乐水，仁者乐山”的长者智慧，还是“高山流水”的知音情结，亦或是“可游可居”的精神追求，无不体现出中国人对山水的独特情怀。中国画中的主流和大宗是山水画，而山水画也真正体现了我们的审美文化和民族精神：把山水作为绘画的题材，也作为文学等其他艺术样式的题材，这标志着中国人对自然的审美意识开始觉醒，也标志着中国人“天人合一”哲学观念的最终完美体现。
归根结底，山水画不同于花鸟画、人物画，最为重要的在于构境，“可行、可望、可居、可游”之境。但是，在历史上，山水画的发展也经历了由实用到技法再到审美、意趣的不同追求。
如果详细研究，可参考陈传席的《中国山水画史》和牛克诚的《色彩的中国绘画》，这两本书会让你完全了解山水画，从材料、技法到历史、品评都有。
这是一个很难直接回答的问题，“怎么临摹”包括选摹本，临摹的技法等，很难全面回答。现就我的认识，回答一部分：
首先，摹本的选择上。古人没有今天这么多的印刷品，所以能够见到的作品肯定是有限的（除了宫廷画家和收藏家）。但是有一点，他们所临的都是“真迹”，哪怕是赝品。直到清代出现了《芥子园画谱》的广为流传，才开启了临摹丰富的道路，包括齐白石等都是从临此书开始。
因此，很多画家形成了强记的本领。比如，黄公望的《富春山居图》，沈周曾经收藏，后来借给一个朋友，但此作品被盗，沈周痛苦万分，不得已根据记忆将此画作默写出来，故有两幅《富川山居图》流传后世，沈周之作可补黄公望之作缺失部分。近现代的陆俨少家境贫寒，故留恋装裱店，形成了强记的功夫，回家后就将此默写出来。因此在写生中，从不现场作画，而笔笔生发，进入自由王国（李可染的评语），不可不说与其少年时形成的强记本领有关。而五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》也是在记忆中画成的。
第二，关于临摹的选本真伪和清晰与否上。现在的观点，大部分认为名家珍品和高清版本为上。这是有道理的，这样可以尽可能的体会大家笔意、构境等。
但是，历史上也有不同者。如书法家王铎，真品、赝品都临摹，最终也成就很高。近现代的贺天健，要求摹本不要太清晰，这是怕完全钻进去了，走不出来了，但这要求必须有名师指点，否则容易走弯路。清代郑板桥亦言“十分学七要抛三”，即是活学。
我认为，应该专研一家，走进去，然后再走出。如当代中国美术学院九十年代崛起的一批，张伟平、林海钟、张捷、张谷旻，以及后来的丘挺，都是有较深的临摹功力，尤其丘挺，可以将王蒙的《青卞隐居图》背临，局部可以达到跟原作一样。这样的底子，然后创新，才能有根基。
临摹的作品上，中国美术学院有十幅大画，包括董源《夏山图》，巨然《层岩丛树图》，郭熙《早春图》，范宽《溪山行旅图》，李唐《万壑松风图》，夏圭《溪山清远图》，赵孟頫《鹊华秋色图》，黄公望《富春山居图》，王蒙《青卞隐居图》、《具区林屋图》，倪云林《渔庄秋霁图》、《容膝斋图》等。
第三，临摹道路上。中国美术学院的顾坤伯老先生，主张由清朝，上溯明、元，直到宋。但陆俨少主张从宋朝大画开始，十幅大画也是他传下来的。我认为可以不拘一格。
至于山水画形式风格和历史的著作，陈传席的《中国山水画史》是历史演变的，牛克诚《色彩的中国绘画》是将风格的，两本结合，效果会很好。但是，一定要能够读透，否则，难有收获。
临摹，还要注重纸张和毛笔。关于纸，这个变化太多，以前的绢帛，后来檀书皮作的（后来檀书被用尽了，所以少了），再到后来秸秆作的，都不一样。至于日本盗用中国技术做的宣纸，细腻有余，但不尽好用。今天的宣纸，尤其是红星的，临摹明清的水墨作品还是可以的。但是，如元代王蒙的《青卞隐居图》等，则需要煮捶宣，半生半熟的。
关于这个问题，可能需要说的太多。我也不知道从何说起，希望上面的对你有所帮助吧。
如临摹宋人山水，须用相对熟的绢。不过那时的纸和现在纸根本不同，本身渗水性差；
而临摹元人如王蒙的山水画应用半生熟的煮捶宣，既可走动笔线，又能反复积墨；
到了明代，有宣纸，那时的宣纸是用檀树皮做的，纸既光洁，又能存墨；后来檀树皮用光了，改用稻草，虽然光洁，却不流畅，墨色效果较差；日本纸细腻有余，但太过工细，用起来发康。
基本而言，从花鸟画的大写意开始，但代表它们的里程碑沈周、徐渭所用纸虽为生宣，但与今之生宣亦不同，尤其沈周之画，多用较熟的纸。
在今人体系中，如贾又福，让学生主临三家：范宽、石涛、龚贤。今学生颇多喜龚贤之积墨，竟用生宣临摹，画面多有乌浊之气，谬矣。
现在多用临写意花鸟的点染丶点写之法临古代山水、创作当代山水，不免薄气。对于今人之行为，上海大学徐建融极为不满，提出"革生宣纸的命"，虽有偏激，但亦反映出来今人多用生宣，缺少唐宋之苦心经营。